The Hammer se vuelve grande con nuevas instalaciones de arte inmersivo

El exterior del Museo Hammer está escondido en láminas plateadas de lluvia y niebla espesa hoy. Pero en el interior, el ambiente es aún más dramático.

El vestíbulo está completamente envuelto en una intrincada telaraña de hilo rojo sangre. Franjas de encaje cuelgan del techo y trepan por las paredes. Los hilos del material se enrollan alrededor de los pasamanos de las escaleras y se extienden por el techo, como un hongo, casi oscureciéndolo.

Mientras tanto, en otra área del museo, un antiguo espacio de un banco cavernoso convertido en una galería de exhibición, hay lo que parece ser un agujero de gusano que viaja en el tiempo. La galería tenuemente iluminada se llena de niebla que rezuma de los chorros del techo y los láseres de color verde neón resplandecientes atraviesan la niebla, iluminándola junto con nubes de polvo que flotan en el aire.

Los ambientes inusuales en el vestíbulo y la galería del banco son instalaciones inmersivas a gran escala del artista japonés Chiharu Shiota y Rita McBride, respectivamente. The Hammer está presentando la fase final de su proyecto de expansión y renovación de dos décadas y $ 90 millones, diseñado por Michael Maltzan Architecture, esta semana. Además de una nueva terraza de esculturas, con una pieza monumental de Sanford Biggers, el proyecto incluye un nuevo vestíbulo y entrada en la esquina de los bulevares Wilshire y Westwood y una enorme galería para obras y actuaciones a gran escala, entre otros usos, en el antiguo espacio de City National Bank al lado.

Es un momento crítico para el museo, y Shiota y McBride son los artistas perfectos para crear las obras inaugurales de los nuevos espacios que los albergan, dice la curadora de Hammer, Erin Christovale.

"Estamos trabajando con artistas ambiciosas que son mujeres que constantemente superan los límites de lo que se considera trabajo de mujeres, que superan los límites de la escultura y la instalación", dice Christovale. "Y creo que eso es algo de lo que Hammer siempre ha representado: apoyar, en particular, a las mujeres y tener una inclinación feminista".

Estar dentro de "The Network" de Shiota se siente como anidar dentro de una válvula cardíaca humana. Los hilos de hilo en forma de venas forman marquesinas sobre la escalera del vestíbulo, de modo que los visitantes deben pasar a través de túneles para ingresar al museo. A medida que la instalación está en marcha, los carretes de hilo se encuentran en el piso de concreto alrededor del vestíbulo y montones de hilo suelto se sientan en las esquinas.

Shiota, residente en Berlín y que comenzó como pintor, considera que la obra es un "dibujo en el espacio" escultórico y tridimensional.

Ella dice que el trabajo, como sugiere su título, trata sobre conexiones: redes comunitarias, redes neuronales, redes informáticas. La historia de origen de la obra es un mito japonés, dice ella. Según cuenta la historia: cuando nace un bebé, tiene un trozo imaginario de hilo rojo unido a su dedo que luego se conecta con todas las personas que conoce en su vida.

"Si vives en sociedad, todos están conectados con una línea invisible", dice Shiota.

La pieza también es específica del sitio y se relaciona con el museo en este importante momento de su historia. La telaraña de hilo que atraviesa el vestíbulo hace referencia a las conexiones entre la artista, su equipo, el Martillo y los visitantes que lo llenarán. También se relaciona con infinitas interpretaciones de las muchas obras de arte expuestas en el Hammer.

"La gente que viene al museo, el arte contemporáneo no tiene [una interpretación estándar]", dice Shiota. "Todos pueden pensar libremente. Es abierto. 100 personas, 100 opiniones. Diferentes tipos de emociones".

Las redes de hilo son los materiales característicos de Shiota, dice Christovale, quien curó "The Network". Shiota presentó una pieza similar en la Bienal de Venecia de 2015. Se siente atraída por el hilo por su versatilidad, dice. “Me gusta este material porque a veces se enreda, a veces lo cortas, lo pierdes, o hay tensión. Es como las relaciones entre los seres humanos”.

Para hacer la pieza, el Martillo trajo 800 libras de hilo. Shiota y su equipo han estado tejiendo durante dos semanas; habrán tomado tres semanas para cuando la pieza se estrene.

Sentada en una parte cubierta del patio del museo mientras la lluvia cae a su alrededor, Shiota juguetea con un ovillo de lana en su regazo, enrollando, retorciendo y enrollando repetidamente el hilo entre las yemas de sus dedos. "¡Mira, puedes verlo a través del cristal!" dice sobre la obra de arte, mientras cruza el patio y regresa al vestíbulo.

Está especialmente emocionada, dice, por lo visible que es el trabajo desde la calle. El antiguo vestíbulo tenía menos ventanas y más pequeñas; el nuevo espacio tiene ventanas altísimas a lo largo de la pared que da a Wilshire. Desde el exterior, la obra de arte de color rojo brillante de Shiota resalta contra el exterior gris y beige del edificio y es visible para los transeúntes a pie y en sus automóviles.

"Es muy importante, esa impresión rápida", dice ella. "La gente que pasa conduciendo tal vez quiera entrar. Luego [se vuelve curiosa] y piensa: 'Oh, el arte es interesante'".

En el viejo banco, todo está tranquilo, oscuro y extrañamente quieto antes de que se enciendan las luces. Luego, en un instante, el espacio se transforma en un escenario etéreo, como de ciencia ficción. El foco de "Particulates" de McBride es una pared pintada de negro con un recorte cilíndrico gigante y un grupo de 16 láseres verdes de alta intensidad que lo atraviesan. Se entrelazan, formando un haz de aspecto tridimensional compuesto por patrones geométricos: una parábola hiperbólica girada. El haz brillante se transforma, según el ángulo desde el que se vea la pieza (alargado y con forma de túnel desde un ángulo, retorcido y más compacto desde otro), lo que le da al trabajo de luces una sensación de vida casi orgánica.

Los láseres cobran vida donde se cruzan con la niebla y las partículas de polvo en el aire, apareciendo especialmente brillantes y animados. El trabajo se refleja en las superficies de la habitación, con secciones transversales que brillan contra la bóveda del banco, las paredes y las ventanas, incluso a través de las ventanas, hacia la escultura de Biggers afuera y la acera más allá.

La artista, que divide su tiempo entre Düsseldorf, Alemania, y Los Álamos, California, considera que la obra es una instalación escultórica inmersiva que también es un dibujo en el espacio. Ella le pidió a Hammer que mantuviera gran parte del espacio del banco "en bruto" mientras el museo estaba renovando. El arquitecto conservó los paneles de pared de chapa de madera, los mostradores administrativos de mármol, el piso de terrazo de mármol original y la bóveda del banco. El museo lijó y repavimentó el piso directamente debajo de los láseres, para que el agua se acumulara allí y creara una superficie reflectante.

"El trabajo de Rita casi siempre se relaciona con la arquitectura", dice la curadora en jefe de Hammer, Connie Butler, quien curó esta presentación de "Particulates". "Ella quería el residuo de la ruina corporativa".

De esa manera, "Particulates" no solo es específico del sitio sino también integrador del sitio, con restos del espacio del banco (los escombros dejados atrás) que sirven como material en la obra de arte además de los láseres, la niebla y las partículas de polvo. .

"Estaba emocionado de tener un espacio un tanto políticamente cargado: los bancos son espacios cargados", dice McBride. "El vocabulario de este espacio era muy específico en términos de mármol, granito y paneles, me pareció muy de los 80, y quería mantener presente parte de ese vocabulario en lugar de reducir todo a un cubo blanco o negro. cubo, cosas que lo harían más neutral".

El trabajo también trata sobre viajes en el tiempo, luz y espacio, conexiones y física cuántica.

"Se trata de esta posibilidad de poder conectarse con lugares desconocidos", dice McBride. "Agujeros negros y viajar estas distancias que desconocemos o hacia dónde nos llevan. También es una oportunidad para salir de la conciencia del momento e imaginar un universo mucho más grande".

En la Bienal de Liverpool de 2016 se mostró una versión de "Particulates"; otra se presentó en la Fundación Dia Art en 2017. Ambas exposiciones se realizaron en espacios cerrados sin ventanas. La galería del banco incluye ventanas casi del piso al techo en dos lados, que están muy teñidas para esta exposición para que la galería permanezca oscura y los láseres se disparen.

"Esta es la primera vez que he podido trabajar con la vida real", dice McBride.

Como tal, el trabajo cambia con el clima, la humedad del aire, la hora del día y la luz. "Estoy trabajando con la luz de una manera diferente, la luz del día", dice McBride. "Cambia cada vez. Es increíblemente flexible y hermoso".

El trabajo es parte de la colección permanente de Hammer, pero el museo nunca antes lo había mostrado, no había tenido un espacio lo suficientemente grande hasta ahora. Planea usar la galería del banco para otras obras a gran escala de la colección que aún no se han mostrado. "Funciona cuando la escala es adecuada", dice Butler. "O eso simplemente se vería genial en un espacio como este, un espacio semi-crudo con techos altos".

Eso incluye una escultura alta y pesada de Lauren Halsey, un monumento a la historia negra y una instalación de video multipantalla de Paul Chan.

Si bien "The Network" y "Particulates" son obras de arte completamente diferentes, la primera más táctil y textural y la segunda más digital y efímera, parecen estar en una conversación directa. Ambos están compuestos por hilos entrelazados —redes— que evocan poderosas reacciones viscerales.

Y ambas obras, con motivo del nuevo debut del Hammer Museum, tratan sobre conexiones.

"Marcaron el tono", dice Christovale. "Que estamos dando un salto".